"Tantra" Music Course

Orkestra SMM Bantul Tampil Memukau

2011-07-01T23:39:00.004+07:00

Orkestra SMM Bantul Yogyakarta Sabtu malam 25 Juni 2011 melakukan konser di Hall Barata Kabupaten Tulungagung dengan melibatkan tidak kurang dari 170 orang musisi.

Penampilan mereka disambut meriah para pengunjung yang hadir, bahkan diantara mereka ada yang berdecak kagum atas kepiawaian para siswa SMKN2 Kasihan, Bantul (SMM Yogyakarta). Bak profesional dalam memainkan alat musik apalagi didukung oleh sound system dan tata lampu yang memukau.

Konser ini sebagai realisasi kerja sama antara SMKN 2 Kasihan, Bantul (SMM Yogyakarta), dengan Pemerintah Kabupaten Tulungagung. Selain kerjasama dengan Pemkab Tulungagung, konser juga didukung oleh Dinas Pariwisata Tulungagung, grup-grup band terbaik Tulungagung, serta para guru musik di wilayah Tulungagung. Seluruh pemain dan pendukung dari SMM Yogyakarta yang tampil di Tulungagung terdiri 137 siswa dan 30 guru pembimbing.

Konser musik orkestra yang baru pertama kali diadakan di Tulungagung ini, juga mendapat dukungan dari Bupati Tulungagung Ir. Heru Tjahjono, MM bahkan beliau hadir dan berkolaborasi dalam konser orkestra SMM Yogyakarta tersebut. Bupati menyanyikan tiga lagu sekaligus, diawali dengan sebuah lagu dari Koes Plus "Manis dan Sayang", sebuah lagu barat dan lagu "Rumah Kita". Diharapkan masyarakat Tulungagung akan lebih mengenal dan dapat menikmati musik orkestra secara langsung.

Konser dimulai pukul 19.00 WIB ini juga dimeriahkan beberapa group band remaja dari Tulungaguyng yang mengikuti Grand Final Festival Band Remaja Kabupaten Tulungagung Tahun 2011 dan sekaligus pembacaan pemenang lomba festival band pelajar Tulungagung. (Udin/Humas)

sumber

http://www.tulungagung.go.id/index.php/beranda/sosial-budaya/seni/827-orkestra-smm-bantul-tampil-memukau

SMM Yogyakarta Adakan Konser di Tulungagung

2011-06-15T01:34:00.000+07:00

Orchestra SMM Bantul Yogyakarta akan melakukan konser di Kabupaten Tulungagung dengan melibatkan tidak kurang dari 170 orang musisi. SMM didirikan atas inisiatif masyarakat musik dan budayawan yang ada di Indonesia dan pada Tahun 1997 melalui SK. Mendikbud No. 036/0/1997 berganti nama menjadi SMK Negeri 2 Kasihan.

Dan sekarang sekolah tersebut sebagai sekolah menengah satu-satunya yang berbasis musik klasik di Indonesia dan saat ini sedang merintis jenjang lebih tinggi menuju sekolah bertaraf Internasional dengan program SMK Invest ADGB.

Untuk lebih dikenal, diakui dan dicintai oleh banyak warga masyarakat Sekolah tersebut menjalin kemitraan dengan berbagai unsur baik tokoh musik, lembaga maupun komunitas. Berkaitan dengan hal tersebut menurut rencana pada tanggal 25 Juni 2011 SMM Bantul Yogyakarta akan melakukan tur konser orkestra ke Kabupaten Tulungagung.

Konser ini sebagai realisasi kerja sama antara SMKN 2 Kasihan, Bantul (SMM Yogyakarta), dengan Pemerintah Kabupaten Tulungagung. Selain kerjasama dengan Pemkab. Tulungagung, konser juga didukung oleh Dinas Pariwisata Tulungagung, grup-grup band terbaik Tulungagung, serta para guru musik di wilayah Tulungagung Seluruh pemain dan pendukung dari SMM Yogyakarta yang akan tampil di Tulungagung terdiri 137 siswa dan 30 guru pembimbing.

Konser musik orkestra yang baru pertama kali diadakan di Tulungagung ini, juga mendapat dukungan dari Bupati Tulungagung, bahkan Beliau berencana hadir dan berkolaborasi dalam konser orkestra SMM Yogyakarta tersebut dengan harapan masyarakat Tulungagung akan lebih mengenal dan dapat menikmati musik orkestra secara langsung.

Konser yang akan dilaksanakan pada hari Sabtu, 25 Juni 2011, jam 19.00, di Gedung BARATA ini juga akan dimeriahkan beberapa group band remaja dari Tulungagung yang mengikuti Grand Final Festival Band Remaja Kabupaten Tulungagung Tahun 2011. (Udin/Humas)

Sumber

http://www.tulungagung.go.id/index.php/beranda/sosial-budaya/seni/781-smm-yogyakarta-adakan-konser-di-tulungagung

MENGATASI KEJENUHAN BERMAIN MUSIK (GITAR)

2010-01-08T22:49:00.002+07:00

oleh Jubing Kristianto

Saya sudah bertahun-tahun belajar gitar klasik. Repertoar saya sudah mencakup berbagai nomor solo standar. Semuanya bisa saya mainkan dengan baik karena saya latih dengan tekun. Itu karena saya menyukai lagu-lagu itu. Dan saya puas dengan apa yang saya capai. Tapi anehnya saat ini saya mendadak jenuh. Jangankan memainkan gitar, melihatnya saja saya sudah malas. Bagaimana caranya agar saya bisa kembali bersemangat bermain gitar?

Demikian isi sebuah surat elektronik yang saya terima. Sebelumnya saya juga beberapa kali menerima surat senada. Ini menunjukkan bahwa kejenuhan adalah hal yang bisa menimpa saja, dan lazim terjadi. Termasuk juga saya.

Kali ini saya ingin berbagi pengalaman tentang cara menghadapi dan mengatasi rasa jenuh, bosan, malas, hilang semangat, dan sejenisnya dalam proses kita belajar dan bermain musik. Ini berlaku untuk siapa pun yang sedang belajar musik ataupun yang berkarier di bidang musik, apa pun instrumen-nya. Bukan cuma untuk gitaris.

MENGENALI BEBERAPA PENYEBAB

Saya pernah mengalami jenuh saat harus menghadapi ujian karena harus berlatih lagu yang sama terus-menerus (soalnya sudah telanjur bayar uang ujian, sayang jika sampai tidak lulus). Begitu ujian rampung, sampai sekarang saya malas memainkan lagu-lagu itu lagi.

Situasi yang sama saya hadapi jika harus konser, baik solo maupun bersama kelompok. Ada lagu tertentu yang harus saya mainkan berkali-kali atas permintaan panitia atau minat penonton. Lagu-lagu ini pun harus saya latih terus. Bedanya dengan ujian, saya tidak bisa "meninggalkan" lagu-lagu itu karena permintaan selalu ada.

Saya kerap pula jenuh melihat gitar saat selesai mengajar. Terutama pada hari-hari di mana saya mengajar dari pagi sampai sore. Namun ini biasanya berlaku pada hari itu saja. Besoknya saya sudah ingin memainkan gitar lagi.

Jika ditambah pengalaman dari kawan-kawan maupun murid-murid, saya bisa simpulkan ada beberapa beberapa penyebab kejenuhan. Yakni:

* Anda hanya senang memainkan lagu yang itu-itu saja.

* Anda hanya memainkan jenis/gaya musik yang terus-menerus sama.

* Anda hanya memainkan instrumen musik yang sama.

* Anda tidak pernah mencoba jenis latihan baru atau membaca hal-hal baru yang berkaitan dengan gitar.

* Karena tidak ada pengembangan jenis latihan, maka kemampuan teknik Anda juga tidak berkembang, alias mandek.

* Tidak ada kawan sesama gitaris/musisi untuk berdiskusi atau bertukar pikiran. Karena kurang gaul, terkadang gitaris --terutama gitaris klasik yang terbiasa bermain sendirian--. bisa mengalami kesepian. Dan ini menurunkan semangat untuk bermain musik.

* Lingkungan yang tidak mendukung. Satu saja dari contoh ini Anda alami, sudah bisa mengurangi semangat Anda: ruangan berlatih kelewat sempit, suhu ruangan panas, kursi kelewat keras, penerangan tidak memadai, tubuh sedang tidak fit/sakit-sakitan, capek karena energi dan pikiran habis di kantor, ruangan terlalu bising oleh suara teve atau anak-anak berteriak-teriak, gitar yang sumbang dan menyakitkan jari, celetukan anggota keluarga atau teman yang tidak suportif (misalnya, "Musik apaan tuh? Nggak bagus. Bikin ngantuk...") .

* Anda seorang supesrtar. Anda sudah terlalu jago dan hebat. Semua teknik dan semua lagu yang mungkin dimainkan di gitar sudah Anda capai dan kuasai. Album rekaman Anda sudah berpuluh-puluh. Semuanya laris dan mendapat penghargaan. Anda merasa tidak ada lagi yang bisa dipelajari dan sudah tidak ada lagi tantangan baru. Pada situasi seperti ini, rasa jenuh bisa menyergap. Ini pernah dialami oleh para superstar di dunia seni, kendati tidak semuanya.

MENCOBA HAL-HAL BARU

Dengan mengenali berbagai penyebab tadi, ada beberapa hal yang bisa kita coba lakukan untuk mengurangi kejenuhan. Inilah beberapa di antaranya.

* Bongkar kembali gudang partitur Anda. Temukan lagu-lagu lama yang dulu pernah Anda coba mainkan (karena bagus) tapi terlalu sulit dan kemudian Anda tinggalkan. Kini cobalah pelajari kembali. Pengalaman saya, lagu-lagu lama yang sulit tadi kini sudah berkurang kesulitannya. Ini karena kemampuan Anda saat ini sudah lebih baik dibandingkan dulu saat pertama kali Anda mencoba memainkannya. Dan saya menemukan kebahagiaan kecil ketika saya mendapati diri saya kini sudah bisa memainkan lagu itu.

* Berburulah partitur baru. Cari lagu-lagu yang indah dan nyaman untuk Anda nikmati sendiri maupun untuk telinga pendengar awam. Pilih yang tidak terlalu sulit sehingga Anda lebih cepat menguasainya. Jangan tergantung pada lagu yang sudah Anda kenal dari rekaman (ini "penyakit" para pelajar gitar klasik). Carilah lagu yang sama sekali belum pernah Anda dengar!

* Atau sebaliknya, carilah lagu-lagu baru yang teknik-nya --dan sering pula notasinya-- tidak lazim. Biasanya dari komposer-komposer kontemporer (untuk gitar klasik, ada Koshkin, Dyens, York, Kleynjans, dan sebagainya). Pelajari teknik-teknik baru itu. Jika Anda kesulitan, tanya atau carilah seseorang yang bisa membantu Anda. Taklukkan lagu-lagu itu! Bagi penggemar tantangan, langkah ini bisa menghidupkan semangat.

* Pelajari atau mainkan jenis-jenis musik yang baru. Bila Anda selama ini lebih banyak berkutat di lagu-lagu standar gitar klasik, kenapa tidak mencoba mempelajari jazz, blues, atau musik etnik, misalnya? Sumber pelajaran bisa dari buku, internet, rekaman, atau berguru pada ahlinya. Pianis Jaya Suprana pernah menimba ilmu karawitan pada dalang almarhum Ki Nartosabdo. Gitaris John Williams dan cellist Yo-Yo Ma juga mempelajari musik-musik etnik. Grup musik pop The Beatles bahkan ke India untuk belajar budaya dan musik tradisional India.

* Ikuti ujian. Saat ini berbagai sekolah musik di Indonesia menyediakan berbagai sistem ujian musik dengan sertifikat yang berskala lokal hingga internasional. Ikut ujian berarti harus belajar lagi dan berlatih secara khusus. Tentu saja, langkah ini hanya cocok untuk yang berani menghadapi tantangan.

* Jangan melulu mendengarkan musik gitar.. Dengarkan musik-musik dari instrumen lain, termasuk orkestra. Jangan batasi pada jenis musik tertentu. Dengarkan Iwan Fals, Rhoma Irama, Ebiet G. Ade, Chrisye, Vina Panduwinata, gambang keromong, degung Sunda, dan banyak lagi. Bahkan orkes klasik sekaliber London Symphony Orchestra pun telah memainkan karya grup rock seperti Queen dan Metallica.

* Cobalah mencari lawan main. Mulailah dari bermain duet (bisa dengan instrumen musik, bisa dengan vokal). Ada banyak partitur duet tersedia gratis di internet. Bagi yang terbiasa main sendirian, bermain duet memberi pengalaman baru yang menyenangkan. Tentu saja Anda juga boleh membentuk trio, kuartet, kuintet, dan seterusnya. Boleh juga bikin band dengan teman-teman di sekolah atau di kantor. Bergabunglah dengan berbagai komunitas musik atau seni lainnya. Ikuti kegiatan mereka, entah itu konser bareng atau sekadar diskusi informal.

* Buatlah ruangan tempat Anda sehari-hari berlatih atau bermain gitar menjadi tempat yang senyaman mungkin. Ingat, tempat berlatih ini tidak harus di rumah Anda sendiri. Jika situasi dan kodisi rumah tidak memungkinkan, Anda bisa saja menyewa studio latihan demi mendapatkan ruang berlatih yang nyaman.

* Tontonlah beragam konser. Jangan hanya konser gitar. Bisa saja konser jazz, atau grup-grup musik dari aliran yang beragam. Nikmati musik dan suasana konsernya.

* Beranikan diri untuk membuat aransemen sendiri, atau menciptakan komposisi baru. Ada kepuasan dan kebanggaan tersendiri jika kita bisa menghasilkan karya sendiri dan tidak tergantung pada karya orang lain. Tidak diperlukan lulusan universitas atau sekolah musik untuk bisa melakukannya. Yang penting ada tekad untuk mencoba serta bersedia membuka telinga untuk banyak mendengar beraneka jenis musik. Statistik menunjukkan -- di Indonesia maupun luar negeri-- mereka yang mencapai popularitas dan kesuksesan finansial di bidang musik umumnya tidak pernah belajar di sekolah musik formal.

* Yang terakhir, dan ini paling penting, cobalah jawab pertanyaan ini: apa sebetulnya tujuan kita bermain musik? Saya pribadi berpendapat, tujuan bermain musik adalah memberi kebahagiaan, baik bagi diri saya sendiri maupun kepada sesama manusia. Jika tujuan ini tercapai, maka kita tidak akan pernah merasa jenuh bermain musik. Bagaimana dengan Anda?

Nah, mudah-mudahan dengan berbagai saran di atas, kejenuhan tidak akan sempat berlama-lama menyergap kita.

Feb 8, '09 1:54 PM

for everyone

sumber artikel: http://jubingfantasy.multiply.com/journal/item/13/Mengatasi_kejenuhan_Bermain_Musik_Gitar

AYO BIKIN KOMPOSISI

2010-01-08T22:05:00.005+07:00

oleh: Jubing Kristianto

Ada kepuasan tersendiri ketika kita berhasil menciptakan sebuah komposisi musik. Berbeda dengan pembuatan aransemen di mana kita mengolah karya yang sudah ada sebelumnya, maka membuat komposisi adalah melahirkan sebuah karya baru yang sebelumnya tidak ada. Ini seperti menjadi pelukis, penulis, atau pencipta tari.

Bila Anda sudah mahir bermain gitar, sudah memainkan banyak karya dari berbagai jenis musik, dan mungkin sudah pernah membuat aransemen gitar dari lagu-lagu non-gitar, mungkin kini saatnya Anda belajar membuat komposisi.

"Apakah kita harus belajar teori atau kuliah di jurusan musik dulu agar bisa bikin komposisi?" begitu mungkin Anda bertanya. Bisa ya, bisa tidak. Bila Anda berharap bisa menciptakan karya-karya rumit atau megah, entah itu untuk ensambel kecil hingga simfoni atau opera, jelas belajar terori ataupun kuliah musik sangat membantu.

Jika yang hendak kita ciptakan adalah karya untuk solo gitar, maka besar kemungkinan kita bisa melakukannya berbekal kemampuan yang sudah kita miliki saat ini. Terlebih lagi jika selama ini kita banyak bermain, mendengar, dan menganalisa musik. Saya kenal beberapa teman gitaris yang tidak pernah belajar komposisi secara formal, namun bisa menghasilkan karya-karya solo gitar yang bagus.

Saya juga termasuk yang tidak pernah belajar komposisi secara formal namun nekat membuat komposisi. Mungkin hasilnya tidak sebagus atau se-artistik karya para komposer serius. Jumlah karya pun sedikit. Namun saya cukup senang ada banyak orang yang menyukai karya saya. Tak sedikit pula gitaris yang senang memainkan karya-karya saya.

Nah, kali ini saya akan berbagi tentang proses dan pengalaman saya membuat komposisi. Saya tidak berharap setelah membaca artikel ini Anda akan jadi jago bikin komposisi. Ada ada banyak hal lagi yang harus dipelajari sebelum sampai di situ. Namun setidaknya, tulisan ini bisa menginspirasi Anda untuk BERANI memulai membuat komposisi sendiri. Dengan sendirinya, Anda ikut membantu menambah perbendaharaan karya musik asli untuk gitar dari Indonesia.

BERBAGAI PROSES PENDORONG

Dari pengalaman saya, ada sejumlah hal yang menjadi pendorong mulainya proses mencipta karya. Umumnya diawali dari tiga hal ini.

1) Dari coba-coba

Saya bunyikan asal-asalan sebuah rangkaian melodi --biasanya pendek dan sederhana-- ataupun sebuah arpegio dengan chord yang asal pencet di sembarang tempat di leher gitar. Sembari bermain tak menentu itu, tiba-tiba saja bisa muncul melodi atau corak chord yang membetot perhatian saya.

Saya akan berhenti dan mengulanginya sampai tertanam dalam benak dan perasaan saya. Dari situ saya berusaha mengembangkannya menjadi musik yang lebih kaya dan lebih panjang. Untuk melengkapinya, proses coba-coba atau main asal-asalan bisa dilakukan kembali, hanya saja kali ini saya sudah punya semacam "pagar". Saya upayakan, temuan-temuan baru harus cocok atau nyambung dengan temuan awal tadi.

Agar tak lupa. Kita bisa langsung menulis penggalan-penggalan musik yang kita "temukan" tadi. Atau bisa juga dengan memasang alat perekam selama kita bermain. Dengan demikian, jika kita ingin mendengarnya kembali, tinggal membaca atau memutar ulang perekam.

Contoh karya saya yang bermula dari coba-coba ini adalah "Morning Rain" yang saya masuukan dalam album "Becak Fantasy". Melodi dari kalimat pertama adalah temuan tanpa sengaja saat bermain gitar tanpa arah. Namun kalimat itu terus terngiang di telinga dan tertanam di benak saya. Cukup lama, sebelum saya mulai bisa mengembangkannya, dengan mempertimbangkan suasana dan karakter yang terasa dari melodi dasar tadi. Pengembangan ini terpicu oleh suasana hati ketika suatu hari melihat hujan turun dari balik jendela kamar saya.

2) Terinspirasi karya lain

Ada banyak gitaris yang saya kagumi. Salah satunya Earl Klugh. Dia mampu membuat melodi dan rangkaian chord yang begitu manis. Dari situ lahir sebuah gagasan, saya kelak harus bisa bikin karya yang semanis itu. Dengan sering mencoba memainkan karya-karya Earl Klugh, saya mulai memahami kesederhanaan melodinya, tipe interval yang gunakan, hingga jenis-jenis pergerakan chord-nya.

Dengan bekal pengetahuan itulah, saya mulai proses membuat komposisi. Tidak langsung jadi tentunya. Dimulai dari pemilihan pergerakan chord, lalu dilanjutkan dengan penambahan melodi. Ya, dalam proses pembuatan melodi, menyanyi bisa sangat membantu untuk mendapatkan melodi yang pas. Menyanyilah dengan bebas, gunakan perasaan Anda mengikuti pergerakan chordnya. Hasilnya bisa di luar dugaan. Karya yang tercipta adalah Once Upon A Rainy Day yang ada di album Hujan Fantasy.

Karya saya Capuccino Rumba lahir karena teringat pada karya gitaris flamenco Paco Pena, Rumba Flamenca. Saya menggunakan iramanya saja, sedangkan melodi saya bikin sendiri. Adapun gerakan chord, meski saya bikin sendiri, tak bisa dipungkiri bahwa tidak ada yang baru. Banyak lagu yang mengunakan pergerakan chord serupa.

3) Utak-atik dan eksperimen

Ada suatu masa di mana saya senang sekali mengutak-atik melodi pentatonis. Tiap kali saya main gitar iseng, selalu yang muncul melodi pentatonis. Dari situlah saya berpikir, kenapa tidak sekalian saja diwujudkan jadi komposisi? Sayang jika kita sudah mengutak-atik tapi lantas lenyap begitu saja. Dari niatan inilah lahir karya-karya yang bernuansa pentatonis. Yakni: Little Windbells, Rickshaw, dan Moonrise. Ketiganya ada di album Hujan Fantasy.

4) Dari sebuah peristiwa, suasana, benda, dan orang

Ya, peristiwa, suasana, orang, dan benda bisa menjadi pendorong bagi kita untuk mencipta komposisi. Misalnya, sebuah cerita pendek karangan istri saya, Surat untuk Niken tentang Kupu-kupu, mendorong lahirnya kompisisi The Butterfly Dance. Saya menggunakan arpegio untu menggambarkan kepak sayap kupu-kupu, dan loncatan-loncatan chord untuk gerakannya berpindah dari satu bunga ke bunga lain.

Contoh-contoh lain: Song for Renny lahir dari rasa rindu dan cinta pada istri saya, Waiting for Sunset saat melihat matahari terbenam di Kuta, The Clock saat mendengar detak jam dinding malam-malam, dan Clouds saat melihat gumpalan-gumpalan awan putih dari jendela pesawat terbang.

Sering kali, berbagai pemicu ini juga melibatkan proses nomor 1 dan 2 di atas dalam mewujudkannya menjadi karya yang utuh.

SYARAT-SYARAT DASAR

Apa pun pencetus atau proses yang dilalui, sebuah komposisi yang baik menurut saya memiliki beberapa syarat dasar.

Yang pertama, adalah keteraturan pola yang bisa teramati oleh telinga. Keteraturan ini bisa dalam berbagai bentuk. Dimulai dari pilihan jenis tangga nada maupun nada dasar, pilihan motif ritmis melodi dan iringan, pergerakan chord, hingga pilihan struktur.

Yang kedua, adalah adanya harmonisasi. Yakni keserasian dan keterpaduan antar-not menjadi rangkaian melodi, bentuk chord, hingga pergerakan antar-chord. Beberapa pendapat ekstrem menyatakan tidak perlu lagi kita belajar teori harmoni karena musik adalah seni, dan seni adalah kebebasan dari aturan. Ya, ada benarnya. Tapi tetap, menurut pendapat saya, kita tidak bisa menulis/membunyikan not asal-asalan lantas dengan lantang menyebutnya sebagai musik. Jadi, jika memang memungkinkan, tidak ada ruginya Anda memelajari dasar-dasar harmoni musik.

Yang ketiga, musik yang baik memiliki karakter atau ciri. Ini membantu audiens cepat akrab dan tidak mudah melupakan musik kita. Ini sama halnya seperti kita mendapat kenalan baru yang punya ciri atau karakter yang khas. Kita tidak akan mudah melupakannya. Tentu saja, kita berharap mampu menghadirkan karakter yang menyenangkan untuk diingat.

Sebagai penutup, kita patut pikirkan kembali apa sebetulnya tujuan kita membuat komposisi. Ada macam-macam tujuan orang menciptakan karya musik. Ada yang membuat untuk tujuan eksperimen ataupun mengasah intelektualitas. Ada yang untuk menyampaikan isi hati atau emosinya. Bahkan ada juga yang mencipta semata-mata demi mencari uang. Bagi saya sendiri, tujuan membuat komposisi adalah membuat karya yang bisa menyenangkan bagi pendengarnya dan akan selalu terekam dalam kenangan mereka. Anda termasuk yang mana?

Nov 21, '09 6:20 PM

for everyone

sumber artikel: http://jubingfantasy.multiply.com/journal/item/14/Ayo_Bikin_Komposisi_

FRANSISCO TARREGA

2010-01-08T13:02:00.008+07:00

Gitaris Klasik “Bertangan Dingin” dari Villareal

Bulu kuduk Anda pasti merinding jika mendengar “Romance D’ Amore” ketika John Williams memainkan gitar klasiknya dengan penjiwaan yang begitu dahsyat. Virtuoso gitar klasik, yang adalah didikan Andres Segovia itu, serasa akan membawa Anda ke dunia cinta (Amore -Red) yang belum pernah Anda jelajahi, barangkali. Ya, begitulah gitar klasik. Akan beragam imajinasi yang tercipta tatkala Anda mau menyisakan waktu Anda untuk mendengarkannya.

Seorang mahasiswa seni musik Universitas HKBP Nommensen yang hingga saat ini masih serius menekuni gitar klasik pernah berkata,” Gitar klasik tak akan pernah mati dimakan usia, sebab ia punya jiwa. Musik-musik klasik yang bisa dibawakan dengan gitar klasik belum bisa dikalahkan oleh musik pop jaman sekarang,” kata Wonter Lesson Purba, lelaki yang mengaku menghabiskan waktunya sedikitnya lima jam lebih untuk berlatih gitar.

Tapi, tahukah Anda, bahwa dalam waktu yang lama gitar dianggap “tak ada apa-apanya”. Sebelum memasuki era abad ke 20, ekslusivitas gitar masih jauh tertinggal bila dibandingkan dengan alat musik klasik sejamannya yang dianggap lebih berhak memiliki tempat untuk sebuah konser klasik. Seperti biola, cello, flute, harva dan piano, misalnya. Posisi gitar dalam kancah konser musik klasik sebenarnya sudah dimulai oleh Fernando Sor.

Fernando Sor (1778-1839) adalah gitaris cum komponis kelahiran Barcelona, yang pertama kali tertarik pada musik setelah ayahnya mengajaknya menonton pertunjukan opera Italia. Sor adalah seorang bekas serdadu, yang dijuluki sebagai “Beethoven of the Guitar”. Salah satu masterpiece -nya adalah “Theme and Variations on Mozart’s the Magic Flute Opus 9″.

Namun, posisi gitar baru menjadi lebih penting ketika Fransisco Tarrega (1852 – 1909) mulai menciptakan gubahan-gubahan untuk gitar solo. Juga, etude-etude, yang ia ajarkan kepada beberapa muridnya, seperti Andres Segovia, Emilio Pujol, Miguel Llobet, yang kelas menjadi pelopor kebesaran gitar klasik di dunia. Dan teknik-teknik gitar klasik yang lebih inovatif. Juga, konser-konser yang fenomenal.

Terrega gitaris kelahiran Villareal, Castellon Spanyol, sebenarnya mengawali karir musiknya sebagai pianis. Guru musik pertamanya adalah Eugeni Ruiz, seorang pemain piano bermata buta. Kemudian ia belajar lagi ke Manuel Gonzalez, yang juga bermata buta. Tarrega sendiri sudah mengalami gangguan penglihatan sejak berusia balita karena kecelakaan. Ia terjatuh ke saluran irigasi di Villareal mengakibatkan gangguan penglihatan sepanjang menjalani karir musiknya.

Pada 1862, seorang komponis dari Castellan, Julian Arcas, terpukau dengan bakat musik Tarrega kecil. Julian kemudian mengajak Tarrega hijrah ke Barcelona untuk menalami pengetahuan musiknya, setelah meminta izin dari ayah Tarrega. Di kota ini, Tarrega bergabung dengan grup musik muda. Selain sekolah musik, ia menyambi bekerja di kafetaria dan restoran, sebagai pianis. Namun, karena kondisi kesehatan ayahnya yang parah saat itu, ia pun kembali Villareal.

Ia kemudian ditawari sebagai pianis di Burriana’s Casino. Namun ia tetap mempelajari gitar. Seorang pengusaha kaya, Antonio Casena, kemudian mengajak Tarrega ke Madrid untuk memperdalam pengetahuan musiknya di sekolah musik Spanish Music Conservatory. Ia membawa gitar pertamanya, buatan tangan Antonio Torres dari Sevilla, yang kemudian menjadi gitar bersejarah sepanjang hidupnya.

Meski pada saat itu, gitar masih menduduki posisi rendah untuk panggung konser bila dibandingkan dengan piano, namun Tarrega menunjukkan bahwa gitar tenyata mampu menjadi alat musik pengiring vokal dalam sebuah konser. Seorang guru musik di Spanish Music Conservatory, Emmilio Arrieta, yang melihat kemampuan gitar Tarrega lalu mengusulkannya untuk beralih dari piano dan mendalami gitar.

“Gitar memanggilmu, dan kamu memang terlahir untuk gitar,” kata Arrieta. Sejak saat itu, Tarrega meninggalkan piano dan mulai mendalami gitar dengan lebih serius. Pada 1880, Tarrega mendapat tugas baru sebagai gitaris, ketika ia menggantikan Luis de Soria di kota Novelda (Alicante).

Karirnya sebagai gitaris semakin naik. Pada 1881, Tarrega hijrah ke Prancis. Setelah penampilannya di Opera Theatre Lyion, Prancis, ia menduduki posisi terhormat sebagai gitaris. Di Paris, Odeon, ia tampil pada peringatan dua tahun kematian Pedro Calderón de la Barca. Selain itu, Tarrega juga pernah diundang untuk bermain untuk Ratu Spanyol, Isabel II. Dari sana, ia hijrah ke London. Di kota ini juga ia menikah dengan Maria Rizo.

Ada cerita kecil di balik konser Tarrega di London, pada 1882. Beberapa temannya sesama musisi melihat ada sesuatu yang kurang selama konser berlangsung. Seusai konser, temannya berujar, “Ada apa maestro? Apakah kamu sedang kehilangan sesuatu, rumahmu atau anggota keluarga mungkin, sehingga permainanmu tadi kurang bersemangat?”

Tarrega bersedih, karena konser itu telah membuat ia dan teman-temannya kecewa. Lucunya, teman-temannya mengusulkan agar Tarrega menggubah sebuah lagu dari peristiwa kecil yang ternyata menyedihkan itu. Hingga terciptalah, repertoir yang sampai saat ini masih “hidup”. Karya itu adalah “Lagrima”.

Sepulang dari London, Tarrega melanjutkan tur pertunjukannya secara rutin. Mulai dari Perpignan (Prancis), Cadiz (Spayol), Nice (Prancis), Mallorca (Spanyol), Paris, dan Valencia. Di Valencia dia bertemu dengan Conxa Martinez, yang memberikannya sebuah rumah di Sant Gervasi Barcelona, yang kelak menjadi tempat di mana ia banyak melahirkan sejumlah karya besar (masterpieces). Di kota ini juga, Tarrega berkenalan dengan beberapa komponis besar Spanyol, seperti Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina dan Pablo Casals.

Salah satu karya masterpiece-nya adalah “Recuedos de la Alhamra” (Memori Alhamra) yang mengaplikasikan teknik treemolo. Repertoir ini ia gubah sepulang dari Granada. Selama di Alegria ia lalu terinspirasi untuk menciptakan “Danza Mora”. Di sini pula ia bertemu dengan seorang komposer Saint-Saens. Yang kemudian, di Sevilla, ia menggubah “Estudios”. Dan salah satu masterpiece yang tak boleh dilupakan oleh para gitaris klasik adalah “Capricho Arabe”, yang ia dedikasikan untuk sahabatnya.

Namun, sepanjang Tarrega menjadi gitaris, ia tak pernah puas dengan kualitas suara gitar yang ia mainkan. Dan pada 1902, ia pun mulai memotong pendek satu persatu kukunya, sehingga nyaris tak kelihatan dari balik kulit daging ujung jarinya. Teknik “picking” inilah yang kemudian ia terapkan kepada sejumlah muridnya.

Di usianya yang ke–50 tahun Tarrega masih sering tampil pada beberapa konser akbar, seperti di Bilbao (Spanyol), Jenewa, Milan, Firence, Naples dan Roma (Italy). Ia telah menunjukkan dirinya sebagai gitaris klasik pertama yang tampil dari konser ke konser besar di belahan dunia.

Pada 1908 Oktober, Tarrega kembali ke Castellon mengulangi nostalia musiknya. Ia kemudian konser di Novelda pada 1909, Valencia, Cullera dan Alcoi. Ia menggubah karya terakhirnya, “Oremus”, di Picanya. Ia kembali ke Barcelona ketika kondisi kesehatannya tak memungkinkan lagi untuk konser. Ia pun menetap di rumahnya di Valencia Street hingga pagi hari pada 15 Desember 1909, saat ia menghembuskan nafas terakhirnya.

Ya, gitar klasik memang telah menjadi seakan tak akan pernah mati karena Tarrega. Karya-karyanya masih hidup hingga kini. Ada 78 karya original dan 120 karya transkripsinya, yang hingga kini menjadi acuan pelajaran di sekolah-sekolah musik di seluruh dunia. Sebut saja misalnya, mazurka “Adelita” yang sering menjadi rujukan untuk para gitaris pemula. Hingga, karyanya agungnya lainya, “Grand Vals”.

Selama hidup hingga akhir khayatnya, Tarrega telah menciptkan ratusan aransmen untuk solo gitar. Selain itu, ia juga banyak mentraskipsikan gubahan-gubahan musik komponis besar, seperti Ludwig van Beethoven, Frederic Chopin, dan Felex Mendelssohn.

Salah satu teknik (selain teknik “picking” treemolo), yang diperkenalkan Tarrega ke dalam permainan gitar klasik ialah penggunaan jari manis (m) tangan kanan untuk memetik senar gitar (‘picking”), di mana sebelumnya hanya menggunakan jempol (p), telunjuk (i) dan jari tengah (a).

Tangan dingin Tarrega juga telah banyak melahirkan gitaris-gitaris klasik, yang pada era berikutnya telah mengangkat ekslusivitas gitar ke panggung musik klasik. Selain Emmilio Pujol dan Miquel Llobet, salah satu muridnya – meski pernah mengundang kontroversi – yang dikenal banyak berjasa menaikkan martabat gitar klasik di kancah konser musik klasik dunia, adalah Andres Segovia (1893-1987).

Segovia adalah gitaris Spanyol yang pertama kali mentranskripsikan gubahan musik Johann Sebastian Bach, “Chaconne in D Minor”, ke dalam partitur gitar. Dan memainkannya pada pertunjukkan konser klasik. Segovia dikenal sebagai pelopor gitaris klasik modern, yang hingga akhir hidupnya mendedikasikan dirinya untuk alat musik “sederhana” namun bersahaja, bernama gitar. (The Muse; Tonggo Simangunsong; Wikipedia dan berbagai sumber).

Sumber artikel klik disini http://tonggo.wordpress.com/2008/06/01/fransisco-tarrega-gitaris-klasik-%E2%80%9Cbertangan-dingin%E2%80%9D-dari-villareal/

http://img247.imageshack.us/img247/1575/96635512du5.png

MENINGKATKAN RANGE VOKAL

2010-01-07T15:07:00.002+07:00

Hamming

Selain Solfegio, salah satu bentuk latihan yang sangat membantu untuk meningkatkan range vokal adalah melalui latihan Hamming. Latihan ini menekankan pada pembiasaan untuk menggunakan teknik vokal kepala.

Caranya, tentukan salah satu lagu favoritmu, pilih lagu yang berjarak nada tinggi atau yang memiliki tingkat kesulitan tinggi, nyanyikan……… tapi tidak menggunakan lirik sebagaimana biasanya….. melainkan ganti liriknya menggunakan huruf / bunyi “N” atau “M”. Jadi, seperti sedang bersenandung. Bernyanyi …….. nnnnnnnnn…. Atau….. mmmmm. Nah, pada saat nada tinggi, coba pake vokal kepala (head voice), hal ini bisa membantu meningkatkan jangkauan nada.

Seorang atlet harus melakukan pemanasan (warming up) terlebih dulu sebelum mulai berolah raga, agar terhindar dari cedera atau keseleo urat. Demikian juga dengan seorang vokalis. Untuk menjaga performa saat bernyanyi di panggung atau memelihara kualitas vokal, seorang penyanyi harus melakukan pemanasan yang sering disebut dengan vokalisi (vocalizing).

Vokalisi cukup beragam, yang termudah dan tersimpel adalah dengan melafalkan huruf-huruf vocal a i u e o, baik dengan nada maupun tanpa nada. Vokalisi sederhana ini cukup efektif untuk melenturkan bibir, rahang, dan rongga mulut. Selain mudah, vokalisi a i u e o ini juga bisa dilakukan dengan hanya hitungan detik atau menit.

Setelah itu, vokalisi dapat ditingkatkan dengan meniti tangga nada dari terendah atau sedang ke nada tinggi. Bisa dengan lagu atau melalui solmisasi atau solfegio. Alangkah baiknya jika latihan vokalisi ini tidak hanya dilakukan pada saat hendak tampil di panggung saja, tapi dilakukan secara rutin.

Melatih Pernafasan

Nafas yang prima sangat penting artinya bagi seorang penyanyi. Penguasaan teknik pernafasan mutlak harus dimiliki, jika si penyanyi ingin sukses di dunianya. Namun, bagaimana caranya memiliki nafas yang prima?

Nafas, biasanya menjadi kendala jika tidak dijaga dan dilatih. Berikut ini penulis mencoba berbagi salah satu tips untuk menjaga dan memanjangkan pernafasan melalui sebuah latihan sederhana.

Sebelum berlatih, ada satu hal yang perlu diperhatikan. Salah satu teknik pernafasan dalam olah vocal yang efektif adalah teknik pernafasan perut. Bukan pernafasan dada.

Cara gampang untuk membedakan Nafas Perut dan Nafas Dada adalah: dalam nafas perut, ketika menarik nafas, perut mengembung, sedangkan dalam nafas dada, ketika nafas ditarik, yang mengembung adalah dada. Gampang kan?

Oke kita mulai berlatih:

Siapkan posisi tubuh, bisa berdiri atau duduk bersila. Tegakkan punggung/badan.

1. Tarik nafas (dengan nafas perut), hitung hingga 10 detik. Pada hitungan ke-10 (detik), perut full mengembung.

2. Hitungan 10 detik berikutnya, tahan nafas. Dalam posisi perut full mengembung, tahan hingga perut terasa keras. Boleh dicek dengan menepuk-nepuk perut yang mengeras.

3. Hitungan 10 detik berikutnya, keluarkan nafas pelan-pelan melalui mulut. Atur pengeluaran nafas se-efisien mungkin sampai hitungan ke-10 (detik). Agar pengeluaran nafas bisa sehemat mungkin, mulut dibuka sedikit saja sambil membunyikan ”ceessssss”

4. Berikutnya, ulangi latihan ”tarik-tahan-keluar” tersebut dengan penambahan durasi waktu secara bertahap. Misalnya, dengan penambahan per 5 detik, menjadi 15, 20, 25, dst. hingga batas waktu terlama.

5. Jika dalam satu durasi waktu masih dirasa berat…coba diulang beberapa kali.

Jika dalam latihan menemukan masalah atau nafas belum juga panjang dan stabil.

Meningkatkan Range Vokal

Solfegio

Range vokal setiap orang berbeda-beda. Standar normal umumnya orang memiliki dua oktav. Semakin panjang rang vokal seseorang, semakin memungkinkan dia untuk membawakan berbagai jenis lagu dengan baik. Dengan catatan, dia memiliki kemampuan/teknik vokal yang baik pula tentunya.

Seseorang yang bertipikal vokal bass, bariton, alto, dan mezo sopran, biasanya memiliki rang vokal yang pendek. Lain halnya seseorang yang bertipikal vokal tenor atau sopran, biasanya ia memiliki range vokal panjang. Namun, terkadang ada juga, meski ia bertipikal bass, tapi memiliki range vokal panjang. Sebaliknya, orang yang bertipikal tenor tapi range-nya pendek.

Pemahaman terhadap tipikal vokal sangat penting. Terutama untuk menentukan nada dasar ketika hendak bernyanyi. Bagi Anda yang bertipikal vokal rendah, jangan khawatir kehilangan kesempatan bernyanyi. Tak masalah. Anda bisa menyesuaikan nada dasar di mana Anda mulai bernyanyi yang sesuai dengan jenis suara Anda. Misalnya dengan menurunkan nada dasar dari penyanyi aslinya. Ilmu vokal bukanlah ilmu eksak.

Pada dasarnya range vokal seseorang bisa ditingkatkan. Ada beberapa jenis latihan yang dapat membantu meningkatkan range vokal. Salah satu di antaranya adalah dengan teknik ”vokal kepala” atau ”suara langit-langit”.

Output vokal seseorang secara natural terbagi dua, yakni vokal kepala dan vokal dada. Vokal kepala adalah vokal yang dihasilkan dari langit-langit atas rongga mulut. Sementara vokal dada adalah vokal yang dihasilkan dari rongga dada.

Untuk menemukan vokal kepala. Mulailah dengan latihan berikut:

Tentukan nada terendah yang mampu Anda bawakan dengan baik, nyanyikan solmisasi (do re mi fa sol la si do) dari suara terendah tersebut hingga nada tertinggi yang Anda kuasai. Pada saat vokal Anda tidak mampu mengeluarkan nada tertinggi dengan baik atau sampai Anda membutuhkan untuk mengubah nada Anda ke dalam vokal kepala.

Mulailah lakukan dengan menggunakan vokal kepala. Caranya ”lemparkan” suara di dalam rongga mulut Anda ke atas langit-langit. Rasakan suara Anda menjadi lebih ringan dan jaga agar tetap bright (jelas). Pada tahap awal, jika Anda menggunakan vokal kepala dengan baik akan terasa dahi atau kepala Anda bergetar. Untuk tahap awal biasanya akan terasa sedikit pusing.

Selain itu ada juga teknik lain, yaitu dengan menggunakan teknik falseto dan kop stem.

Mengapa Muncul Nada Fals

Seorang penyanyi harus mampu melakukan kontrol nada (pitch control) ketika bernyanyi. Hal ini sangat penting dilakukan untuk menjaga konsistensi vokal, sehingga terhidar dari nada fals (atonal). Munculnya nada fals akan sangat menggangu kenikmatan pendengar. Akibatnya, cemoohanlah yang akan mendera si penyanyi. Bahkan, lebih parah lagi, ia akan kehilangan kredibilitas!

Ada beberapa faktor penyebab munculnya nada fals:

♪ Talenta Musik

Tuhan menciptakan manusia dengan karakter dan kemampuan masing-masing. Ada orang yang memiliki talenta musik yang baik, ada pula yang tidak memilikinya. Seseorang yang sama sekali tidak memiliki kecenderungan musik (musikalitas) yang baik, akan cukup sulit untuk menjaga dan mengontrol nada. Diperlukan kerja keras dan cerdas untuk mendapatkannya. Memang ada beberapa tips latihan vokal yang bisa mengatasinya, namun memerlukan waktu relatif lama.

Lain halnya dengan seseorang yang telah memiliki talenta musik (sekecil apapun itu). Melalui latihan intensif, ia akan lebih mudah menguasai dan mengontrol nada, hingga ia bisa bernyanyi mulus, tanpa fals sedikitpun.

♪ Range Vokal Penyanyi

Range Vokal adalah jarak antar nada dari satu interval ke interval lainnya. Dimana satu interval terdiri dari nada: do re mi fa sol la si. Sementara tata nada sebelum dan sesudahnya adalah interval lain.

Manusia pada umumnya, paling tidak memiliki 2 interval nada. Namun ada juga yang memiliki 6 interval, bahkan 8 interval nada. Vokalis Steel Hearth, Mariah Carey, Whitney Houston adalah beberapa penyanyi dengan range vokal sangat panjang.

Nah, apa hubungannya dengan Fals?

Penyanyi dengan range vokal pendek, dia akan kesulitan menjangkau nada-nada yang terlampau tinggi atau rendah. Saat itulah yang paling rawan bagi mereka.

♪ Penguasaan Teknik Vokal

Bagi para penyanyi dengan range vokal pendek, sebetulnya ada beberapa cara untuk menghindari ranjau-ranjau fals. Diantaranya adalah dengan menggunakan teknik falseto dan cop stemp. Kedua cara ini hampir sama, yakni dengan menggunakan nada ’palsu’ ketika menemui nada-nada tinggi. Perbedaanya adalah output power cop stemp lebih kuat dibandingkan dengan teknik falseto. Sehingga, dengan cop stemp, seolah-olah ia mengeluarkan nada ’asli’ atau normal.

Nah, jika kedua teknik ini tidak dikuasai, maka nada fals akan relatif banyak ditemukan.

♪ Tingkat Kesulitan Lagu

Tingkat kesulitan lagu berbeda-beda. Mulai dari yang hanya memiliki dua atau tiga chord saja. Hingga lagu yang memiliki puluhan chord dalam musik pengiringnya. Untuk lagu yang relatif mudah, tentunya tidak terlalu dibutuhkan kemampuan ekstra untuk mengontrol nada. Tetapi, ketika menyanyikan lagu dengan tingkat kesulitan tinggi, seringkali diperlukan beberapa kali latihan penguasaan untuk mendapatkan kualitas vokal yang mulus dari lagu tersebut. Hal ini tidak hanya dialami oleh para penyanyi pemula, tetapi juga oleh para penyanyi kaliber profesional sekali pun. Terutama dalam take vokal untuk rekaman di studio. Seorang penyanyi profesional bisa berkali-kali mengulang baris lagu yang sulit, untuk mencapai tone yang sempurna.

♪ Perangkat Audio Pendukung

Selain faktor internal penyanyi, faktor eksternal juga turut menentukan munculnya nada fals. Misalnya dalam sebuah pertunjukan di dalam gedung yang tidak disertai dengan setting akustik ruangan yang memadai, kemudian kualitas sound system seadanya, dengan tanpa disertai monitor vokal yang baik, niscaya si penyanyi akan sangat kesulitan untuk mengontrol nada.

Sehebat apapun kemampuan vokal si penyanyi, jika menghadapai kondisi seperti itu akan sangat sangat keteteran. Gedung tanpa penataan akustik yang baik, akan menimbulkan gaung yang sangat mengganggu stabilitas tempo. Akibatnya sangat fatal, konsentrasi penyanyi terganggu, harmonisasi musik dan lagu semakin kacau, karena si penyanyi akan menggunakan acuan tempo musik hasil pantulan (gaung), sementara si pendengar/penonton mendengarkan tempo yang asli.

Mengatasi Nada Fals

Ketika bernyanyi live seorang penyanyi terkadang ’terpeleset’ ke dalam nada-nada fals. Hal ini cukup wajar terjadi, karena biasanya diakibatkan oleh beberapa faktor kendala, sebagaimana telah dibahas pada tulisan saya sebelumnya. Akan tetapi, akan sangat tidak wajar jika penyanyi tersebut selalu fals dalam setiap penampilannya. Tentunya ada something wrong di balik itu. Apakah ia harus pensiun sebagai penyanyi?? Oh tidak, tentunya kesimpulan itu terlalu dini. Setidaknya ia harus berusaha terlebih dahulu untuk memperbaiki kemampuan vokalnya melalui latihan intensif. Setahap demi setahap ia akan memiliki kepekaan terhadap nada, sehingga ia mampu untuk mengontrol nadanya dengan baik.

Di dalam term akademis dikenal teknik latihan solfegio (baca:solfej). Bentuk latihan solfegio bervariasi, mulai dari yang termudah sampai ke tingkat yang relatif sulit. Gunanya adalah untuk melatih ketajaman dan ketepatan nada si penyanyi. Salah satu bentuk latihan solfegio yang cukup praktis dan mudah digunakan adalah teknik latihan yang dikenal dengan nama ’moami amo’.

Sesuai dengan tujuannya, yakni untuk melatih kepekaan nada, latihan ini bertumpu kepada penguasaan tangga nada melalui naik turunnya nada. Selain untuk melatih kepekaan nada, ’moami amo’ juga sangat bermanfaat untuk lebih melenturkan vokal. Tak sedikit penyanyi pemula masih memiliki vokal yang cenderung ’kaku’. Maksudnya, ketika menemukan perpindahan nada tertentu (misal cengkok dangdut, legato, dll) sangat sulit ia raih. Nah melalui ’moami amo’ ini kendala itu bisa diatasi.

Oke, sekarang kita coba praktekkan. Ikuti nada-nada di bawah ini :

2/4 1 3 2 4 3 5 4 2 1 .

mo o a a mi i a a mo

Ulangi beberapa kali hingga nada demi nada terkuasai dengan baik. Untuk ’moami amo’ pertama, cari dan tentukan nada dasar yang paling bawah. Ingat, kontrol selalu setiap nada yang dinyanyikan. Pastikan nada benar benar pas! Setelah itu baru dinaikkan nada dasarnya satu demi satu. Lakukan terus hingga mencapai nada tertinggi yang bisa dikuasai. Jika telah mencapai nada dasar yang cukup tinggi, ada kendala yang biasa dijumpai, yaitu nada 5 (sol) akan semakin sulit dicapai. Oleh karena itu, perketat lagi kontrol nada, khususnya terhadap nada 5 (sol) tadi.

Menghindari Nada Fals Ketika Bernyanyi

Lakukanlah latihan bernyanyi dengan menutup salah satu telinga, bisa telinga kiri atau kanan. Dengan menutup salah satu telinga ketika bernyanyi, kita bisa lebih jelas mendengar output vocal kita. So, kita bisa lebih mudah mengontrol nada yang kita keluarkan.

Cara ini bisa juga dilakukan ketika kita sedang bernyanyi di atas panggung. Di tengah bingarnya iringan musik, terkadang kita sulit mengontrol nada. Nah, dengan menutup salah satu telinga, vocal kita akan lebih terkontrol. Tapi, untuk menjaga performance, sebaiknya cara ini dilakukan ketika diperlukan saja. Jangan terlalu sering, cukup ketika kita betul betul sangat sulit mengontrol nada atau ketika kita akan menjangkau nada-nada yang beresiko.

sumber artikel: http://alfian.sman1pramb-yog.sch.id/musik/wacanamusika/indekswacanamusika/teknikbermusik/vokal.htm

MEMBUAT ARANSEMEN UNTUK INSTRUMEN TUNGGAL (Dengan Bahasan Khusus pada Gitar)

2010-01-07T14:35:00.001+07:00

oleh : Jubing Kristianto

* Ada berbagai macam definisi tentang aransemen. Dalam tulisan ini, yang dimaksud dengan aransemen adalah upaya kreatif menata dan memperkaya sebuah melodi, lagu, atau komposisi, ke dalam format serta gaya yang baru. Mediumnya bisa apa saja, dari instrumen tunggal hingga sebuah orkestra. Hari ini kita hanya akan membincangkan aransemen untuk instrumen tunggal, dengan bahasan khusus pada gitar.

* Membuat aransemen sebetulnya lebih mudah dari membuat komposisi. Sebab, kita tinggal "memungut" bahan yang sudah ada. Sejak zaman manusia mulai mencatat musik hingga zaman kini, ada jutaan atau mungkin puluhan juta melodi, lagu, dan komposisi yang bisa menjadi sumber pembuatan aransemen. Ambil contoh lagu rakyat. Dari Indonesia saja jumlah lagu rakyat amat banyak. Belum lagi lagu-lagu rakyat dari negara lain.

BENTUK PALING DASAR

* Bentuk paling dasar dari sebuah aransemen adalah memainkan memainkan melodi dengan iringan (bas + rhythm). Biasanya dengan menambahkan intro dan coda. Pada keyboard/piano tidaklah sulit. Pada gitar, hal ini tidak selalu mudah karena keterbatasan wilayah nada gitar. Karenanya, kita mesti coba mainkan dulu melodi lagu tersebut. Apakah not tertinggi dan terendah tercakup dalam wilayah nada gitar? Jika tidak, coba ganti nada dasarnya. Bila masih belum bisa juga, kita bisa memenggal lagu ini. Pada bagian yang terlalu tinggi bisa diturunkan satu oktaf. Begitu pula sebaliknya. Namun tidak semua lagu bisa dipenggal begitu saja. Juga perlu diperhatikan apakah tekstur melodi itu bisa dimainkan di gitar. Jalinan melodi yang terlalu njlimet dan cepat mungkin bisa dengan mudah dimainkan di piano, tapi tidak di gitar. Jadi, jangan memaksakan diri. Untunglah, masih lebih banyak lagu yang bisa dengan mudah dimainkan dengan gitar tunggal.

* Bila melodi sudah bisa kita mainkan, langkah berikutnya adalah mencari akor. Bila lagu itu sudah ada di buku lengkap dengan akornya, tentu mudah. Sedikit susah bila kita mendengarkannya lewat rekaman. Namun bila kita sering melakukannya, lama-lama akan terbiasa. Cari akor-akornya dengan benar. Kalau ada akor yang "misterius", cobalah mengutak-atiknya pada instrumen Anda. Tidak selalu dia punya susunan yang njlimet. Terkadang secara fisik dia sebetulnya akor sederhana saja. Misalnya akor Bm7-5 (B minor 7 minus 5) yang tak lain adalah akor Dm dengan bas B.

* Melodi sudah bisa dimainkan pada gitar dan semua akornya pun sudah diketahui. Maka selanjutnya adalah memilih jenis irama. Mau dua hitungan? Empat hitungan? Waltz? Cha-cha? Reggae? Ballad? Mainkan dulu akor-akornya dengan menggunakan irama ini. Masukkan pula pola ritme bas. Bila sudah lancar, cobalah memasukkan melodinya. Masalah biasanya muncul saat kita memainkan melodi pada not-not tinggi. Itu berarti, kita juga harus menggunakan akor pada posisi-posisi yang dekat dengan melodi tadi. Artinya, kita mesti tahu letak sebuah akor dalam berbagai posisi. Pada gitar, misalnya, akor F selain pada posisi I juga bisa ditemui pada posisi III, V, atau VIII.

* Bagi yang belum terbiasa memainkannya langsung pada alat musik, boleh saja menuliskan dulu not-not melodinya pada buku musik. Lantas tambahkan not-not akor dan bas. Baru setelah itu baca dan mainkan.

* Hal yang perlu diperhatikan pada aransemen untuk gitar: kita tidak harus membunyikan semua not yang terkandung dalam sebuah akor. Terkadang hanya dengan satu atau dua not, plus bas, kita sudah bisa mendapatkan hasil yang baik. Contoh: bila ada akor C, kita bisa membunyikan not C dan E saja. Sedangkan not G bisa diabaikan.

MEMPERKAYA ARANSEMEN

* Untuk memperkaya aransemen, kita bisa bermain "bongkar-pasang" pada elemen-elemen dasar musik. Yakni: pola-pola ritmiknya, timbre, serta harmoni. Mari kita tengok satu per satu.

1) POLA RITMIK

Yang saya maksud pola ritmik adalah pola-pola panjang-pendeknya not-not yang ada dalam aransemen. Baik itu pada melodi ataupun pada birama dasarnya. Contoh simpel pada melodi: not 1 1 / 5 5 / 6 6/ 5 . / bisa kita ubah jadi 1 1_5 / 0 5_6/ 0 6_5/ 0 0/ atau bahkan lebih sederhana lagi 0_1 0 / 0_5 0 / 0_6 0 / 0_5 0 /.

Contoh pada birama adalah mengubah lagu yang berbirama 3/4 menjadi 4/4. Bisa juga kita tetap memakai birama sama tapi mengubah pola ritmik pada basnya saja. Misalnya saja, ada beberapa jenis irama yang berbirama 3/4. Ada waltz ala Wina, waltz ala Amerika Latin, bolero, sampai jazz waltz. Anda boleh juga menciptakan berbagai pola ritmik baru. Yang penting, pendengar masih bisa "menangkap" karakter lagu sesungguhnya.

2) TIMBRE

Biasa juga disebut tone color atau warna suara. Biola dan gitar memiliki sejumlah teknik untuk menghasilkan warna suara berbeda. Pada gitar, perbedaan posisi jari kanan saja bisa menentukan warna suara lembut atau metalik (sul tastodan sul ponticello). Beberapa teknik yang lazim digunakan: pizzicato, vibrato, slur/hammering, harmonik oktaf, dan strumming.

Ada juga gitaris yang mempersiapkan khusus gitarnya agar bisa menghasilkan warna suara beda dengan memasang benda-benda tertentu pada senar gitar. Bisa lembaran kertas, selotip, paperclip, hingga jepitan jemuran!

Beberapa komposer gitar kontemporer memiliki cara-cara lebih ekstrem untuk memperoleh timbre unik, yakni dengan menggunakan sendok sebagai pengganti jari kiri atau kanan, membetot senar, hingga menggeseknya dengan kuku.

Bagi pemusik yang bukan pemain gitar atau biola, penjelajahan untuk mencari warna-warna suara baru ini juga terus dikembangkan. Misalnya, menyelipkan remasan koran di bawah dawai-dawai piano, atau menaburkan manik-manik di atas dawai piano. Pemusik tiup pun juga terus menggali teknik-teknik baru untuk mendapatkan warna-warna suara unik yang belum pernah ada sebelumnya.

3) HARMONI

Untuk praktisnya, saya mendefisikan harmoni ini sebagai seni memilih dan meracik nada-nada yang berbeda untuk dibunyikan simultan ataupun yang berurutan. Lebih praktisnya lagi, harmoni adalah seni memilih dan menggunakan akor. Termasuk pula di dalamnya tangga nada (scale) yang merupakan basis bagi pembentukan akor. Berikut sejumlah langkah yang bisa dilakukan untuk memperkaya aransemen dengan "bermain-main" di wilayah harmoni.

a) Mengubah progresi akor

Ambil contoh lagu Naik-naik ke Puncak Gunung. Bila kita memakai nada dasar C, maka progresi akornya yang asli adalah C /C /C /C /G7 /G7 /C /C . Kita bisa mengubahnya, semisal menjadi C /Dm /Em /F /C bass G /G7 /C .

b) Memperkaya akor

Yang dimaksud adalah menggantikan akor mayor atau minor "polos" dengan akor-akor 7, 9, 11, 13, dan sebagainya. Pengayaan akor ini juga bisa dikombinasikan dengan perubahan progresi akor. Tentunya harus disesuaikan dengan lagunya.

Masih terkait dengan pengayaan akor, bisa dicoba juga melakukan steman alternatif atau alternate tuning untuk menghasilkan akor-akor baru yang terkadang tak kita duga sebelumnya. Sejak zaman Renaisans hingga masa kini, ada saja musisi instrumen berdawai yang mengubah-ubah urutan tuningstandar. Pada gitar, misalnya, ada puluhan alternate tuning yang pernah dikenal. Yang umum dipakai adalah (urutan dimulai dari senar terbesar): D-A-D-Fis-B-E, D-A-D-F-A-D, D-A-D-Fis-C-D, D-G-D-G-B-D, D-G-D-G-Bes-D, E-B-D-Gis-B-E, dan sebagainya.

c) Mengubah scale

Melodi dengan scale mayor, misalnya, bisa saja kita ubah jadi scale blues. Atau, jika memang cocok, bisa saja scale diubah jadi minor. Ada banyak sekali scale lainnya yang tersedia dalam khazanah musik. Dari yang modern sampai yang tradisional, dari yang berisi 12 nada sampai 3 nada.

d) Modulasi

Modulasi adalah pergantian nada dasar. Biasanya memberi efek "refreshing". Dalam ilmu harmoni, melakukan modulasi tidak bisa sembarangan. Ada aturan-aturannya, karena pergantian itu idealnya harus berlangsung mulus hingga pendengar tak merasa kaget. Bila Anda belum sempat mempelajarinya dari buku teori, belajar saja dari berbagai komposisi yang sudah ada. Bisa dari sonata-sonata Scarlatti dan partita-partita Bach hingga lagu-lagu Vina Panduwinata atau Stevie Wonder.

e) Mengubah register

Melodi tak harus ada pada nada tinggi. Bisa saja kita pindahkan ke bagian bas. Atau sebaliknya, melodi yang tadinya ada di nada rendah kita pindahkan ke wilayah nada tinggi.

f) Variasikan tekstur

Tekstur meliputi "ketebalan" maupun "kasar-lembutnya" jalinan antar-nada dalam aransemen. Kita bisa menciptakan tekstur "tebal", misalnya dengan membunyikan melodi, akor, dan bas sekaligus. Bisa juga kita membuatnya jadi "tipis", semisal dengan hanya menyisakan jalinan dua jalur melodi yang berjalan bersama atau bersahut-sahutan.

Kesan "kasar" bisa diperoleh bila melodi, akor, dan bas lebih banyak berbunyi bersamaan. Sebaliknya, kesan "halus" bisa dicapai dengan mengurai melodi, akor, dan bas untuk berbunyi bergantian/bersamaan dalam pola-pola tertentu.

"BUMBU-BUMBU" LAIN

Di luar elemen-elemen dasar musik di atas, kita juga dapat "bermain-main" dengan tempo dan dinamika. Memperlambat atau mempercepat tempo, melembutkan dan mengeraskan volume, bisa menciptakan kesegaran pada aransemen kita.

Beberapa "bumbu" penyegar lain yang bisa dicoba:

(1) Masukkan efek perkusi. Pada tubuh gitar, ada beberapa bagian yang bila dipukul bisa menghasilkan suara-suara berbeda. Juga ada beberapa teknik menciptakan efek perkusi pada senar yang bisa dicoba. Efek perkusi biasanya menarik perhatian penonton.

(2) Gunakan vokal Anda. Tak harus dalam bentuk nyanyian, tapi bisa saja bebunyian lainnya. Ragam suara yang bisa dihasilkan suara manusia amatlah luas.

(3) Tepuk tangan, jentikan jari, dan hentakan kaki, juga dapat dimanfaatkan untuk menambah daya tarik aransemen.

"MODAL" YANG DIPERLUKAN

Untuk membuat aransemen pada instrumen tunggal, ada beberapa "modal" dasar yang kita perlukan:

1) Tahu semua akor dan juga scale-scale pokok pada instrumen yang kita mainkan. Setidaknya mayor, minor, dan dominant 7th. Akan lebih menguntungkan bila kita juga kenal akor-akor yang lebih kompleks seperti mayor dan minor 7, 11, 13, dan sebagainya.

2) Memiliki bekal teknik permainan yang memadai untuk bisa memainkan aransemen tersebut. Teknik memang bukan segalanya, namun iamerupakan medium atau "kendaraan" yang bisa mengantar ke tujuan kita: menghasilkan permainan/aransemen yang baik dan asyik didengar.

3) Kenal, atau lebih bagus lagi sering menyimak berbagai genre musik. Baik itu dari musik tradisi, musik klasik, hingga aneka jenis musik industri. Tontonlah macam-macam konser musik. Dengar dan pelajari aransemen-aransemen orang lain.

4) Meningkatkan terus pengetahuan dan wawasan musik. Untuk itu, ada banyak buku yang mesti dipelajari (teknik, teori musik) dan juga partitur serta rekaman musik yang mesti kita dengar (ada banyak sekali jenis musik di dunia ini yang mungkin sampai detik ini kita belum pernah mendengarnya).

Sayangnya, kita di Indonesia masih kesulitan mendapatkan bahan-bahan tersebut. Alternatif lain yang bisa kita manfaatkan adalah internet. Di internet tersedia banyak bahan-bahan tersebut. Anda tinggal mencarinya dengan mengetikkan kata-kata kunci lalu mengklik tombol "search". Rekaman musik dari seluruh penjuru dunia dalam jenis yang amat berlimpah juga tersedia banyak (favorit saya adalah www.mp3.com). Karenanya, amatlah bagus jika pihak universitas bisa menyediakan satu komputer multimedia dengan kapasitas memadai untuk mengumpulkan bahan-bahan tersebut.

Jakarta, 11 Oktober 2003

sumber artikel: http://alfian.sman1pramb-yog.sch.id/musik/wacanamusika/indekswacanamusika/teknikbermusik/aransemengitar.htm